2.1 พื้นฐานของเวลาทางดนตรี
ขอต้อนรับนักดนตรีผู้มุ่งมั่นสู่โลกน่าหลงใหลของเวลาทางดนตรี เมื่อเรามองหน้าโน้ตเพลง เรากำลังมองเส้นเวลา ซึ่งเป็นภาพแทนของเสียงและความเงียบ โน้ตที่เขียนไว้สื่อข้อมูลสำคัญสองอย่าง: ระดับเสียง (สูงหรือต่ำเพียงใด) และความยาว (ค้างไว้นานเท่าไร) ขณะที่ตำแหน่งแนวตั้งของโน้ตบนบรรทัดบอกระดับเสียง หน้าตาทางกายภาพของมัน — รูปทรงและส่วนประดับ — เปิดเผยความยาวของมัน
ให้คิดว่าส่วนต่างๆ ของโน้ตเป็นชุดคำสั่งสำหรับผู้บรรเลง หัวโน้ต ซึ่งอาจเป็นแบบกลวงหรือทึบ คือองค์ประกอบแกนกลาง ตำแหน่งของมันบนบรรทัดบอกระดับเสียง โน้ตบางตัว โดยเฉพาะของเครื่องกระทบ อาจไม่มีระดับเสียงเฉพาะ จึงมีหัวโน้ตรูปทรงพิเศษ
ต่อจากหัวโน้ต คุณอาจพบหางโน้ต หางนี้ชี้ขึ้นหรือลงเป็นเพียงเรื่องไวยากรณ์ของการเขียนโน้ต ที่ออกแบบมาให้โน้ตดูเป็นระเบียบ สิ่งที่สำคัญจริงคือส่วนที่เพิ่มบนหาง คือธงโน้ตและเส้นคาน ธงโน้ตคือเส้นโค้งเล็กๆ ที่ติดปลายหาง และแต่ละธงที่เพิ่มจะตัดความยาวของโน้ตลงครึ่งหนึ่ง เมื่อโน้ตมีธงหลายตัวเรียงต่อกัน เรามักรวบมันเข้าด้วยเส้นคาน คือเส้นตรงที่เชื่อมหางโน้ต การใช้เส้นคานไม่เพียงทำให้อ่านโน้ตได้ง่ายในพริบตา แต่มักช่วยรวบโน้ตให้เห็นเป็นหน่วยจังหวะหรือจังหวะเดียวกันด้วย
รากฐานของความยาวโน้ตทั้งหมดคือโน้ตตัวกลม ซึ่งเป็นหัวโน้ตกลวงเรียบง่ายที่ไม่มีหาง ค่าโน้ตอื่นทุกค่าเป็นเศษส่วนของตัวกลม โน้ตตัวขาวยาวครึ่งหนึ่งของตัวกลมตามชื่อของมัน โน้ตตัวดำยาวหนึ่งในสี่ และไล่ต่อไปถึงตัวเขบ็ตหนึ่งชั้น ตัวเขบ็ตสองชั้น และค่าที่สั้นกว่านั้น เหมือนในคณิตศาสตร์ โน้ตตัวขาวสองตัวยาวเท่าตัวกลมหนึ่งตัว และโน้ตตัวดำสี่ตัวก็เช่นกัน ระบบอันงดงามนี้ทำให้ผู้ประพันธ์สร้างจังหวะได้หลากหลายไม่สิ้นสุด
แต่ความยาวจริงของโน้ตใดก็ตามในโลกจริง สุดท้ายถูกกำหนดโดยอีกสององค์ประกอบสำคัญบนหน้ากระดาษ: เครื่องหมายกำหนดจังหวะ ซึ่งจัดจังหวะเข้าเป็นห้องเพลง และเทมโป ซึ่งกำหนดความเร็วของดนตรี
แผนผังค่าโน้ต
คลิกที่แถวใดก็ได้ — ค่าที่สั้นกว่าทุกค่าด้านล่างจะถูกเน้นในฐานะ “เศษส่วน” ของค่าที่คุณเลือก
เลือกค่าโน้ตด้านบน
2.2 ทิศทางของหางโน้ต: ขึ้นหรือลง?
ข้อสังเกตที่ดีเยี่ยมที่คุณอาจเห็นคือ หางโน้ตบางครั้งชี้ขึ้นและบางครั้งชี้ลง นี่ไม่ใช่การเลือกตามอำเภอใจ แต่เป็นไปตามชุดธรรมเนียมที่งดงามและใช้ได้จริง ซึ่งออกแบบมาด้วยเป้าหมายหลักสองอย่าง: ทำให้อ่านง่ายที่สุด และทำให้โน้ตกระชับเป็นระเบียบที่สุด
หลักการพื้นฐานค่อนข้างเรียบง่ายและหมุนรอบเส้นกลางของบรรทัด สำหรับโน้ตเดี่ยวที่อยู่ใต้เส้นกลางนี้ หางจะชี้ขึ้น สำหรับโน้ตที่เขียนบนหรือเหนือเส้นกลาง หางจะชี้ลง กฎอันงดงามนี้ทำให้ตัวโน้ตและหางส่วนใหญ่อยู่ในหรือใกล้บรรทัดอย่างเรียบร้อย สร้างโน้ตเพลงที่สมดุลทางสายตาและไม่รกตา
เมื่อเรารวบโน้ตเข้ากลุ่ม ไม่ว่าจะแนวตั้งเป็นคอร์ดหรือแนวนอนด้วยเส้นคาน เราใช้หลัก "โน้ตที่ไกลสุด" ทิศทางหางของทั้งกลุ่มถูกกำหนดโดยโน้ตที่อยู่ไกลจากศูนย์กลางบรรทัดที่สุด เทคนิคแหลมคมนี้ทำให้รูปดนตรีทั้งหมด — หาง เส้นคาน และทุกอย่าง — กระชับที่สุด ป้องกันไม่ให้มันพุ่งเข้าไปในเส้นน้อยด้านบนหรือล่างมากเกินไป
แต่จุดที่ทิศทางหางกลายเป็นเครื่องมือทรงพลังจริงๆ คือการทำให้เนื้อสัมผัสทางดนตรีที่ซับซ้อนชัดเจนขึ้น เมื่อบรรทัดเดียวต้องแทนแนวดนตรีที่เป็นอิสระสองแนวพร้อมกัน — ซึ่งพบบ่อยในดนตรีเปียโนหรือเมื่อนักร้องสองคนใช้บรรทัดร่วมกัน — เรากำหนดให้แนวหนึ่งมีหางชี้ขึ้นและอีกแนวมีหางชี้ลง การแยกทางสายตานี้สำคัญมาก เพราะทำให้ผู้บรรเลงติดตามแต่ละแนวทำนองและจังหวะได้ชัดเจน มันสำคัญยิ่งเมื่อสองแนวดนตรีไขว้กันในระดับเสียง เพราะถ้าไม่มีหางที่ชี้สวนกัน ดนตรีจะกลายเป็นกลุ่มโน้ตที่พันกันจนอ่านไม่ออก
อย่างที่คุณเห็น ทิศทางหางโน้ตเป็นอะไรที่มากกว่าการเลือกเพื่อความสวยงาม มันเป็นแง่มุมสำคัญของไวยากรณ์ทางดนตรี ที่นำความเป็นระเบียบมาสู่หน้ากระดาษ คลี่คลายความซับซ้อน และทำให้เจตนาของผู้ประพันธ์ชัดเจนสมบูรณ์แก่ผู้บรรเลง
2.3 เสียงของความเงียบ: ตัวหยุด
เพื่อแทนความเงียบในโน้ตเพลง เราใช้สัญลักษณ์ที่เรียกว่าตัวหยุด ระบบการเขียนความเงียบเป็นภาพสะท้อนที่สมบูรณ์ของระบบการเขียนเสียง ทุกค่าโน้ตมีตัวหยุดที่มีความยาวเท่ากันเป๊ะคู่กัน โน้ตตัวกลมมีตัวหยุดตัวกลม โน้ตตัวขาวมีตัวหยุดตัวขาว โน้ตตัวดำมีตัวหยุดตัวดำ และไล่ต่อไปเรื่อยๆ ตัวหยุดแต่ละตัวสั่งให้ผู้บรรเลงเงียบเป็นระยะเวลาที่วัดไว้อย่างแม่นยำ
แต่สำคัญมากที่ต้องเข้าใจว่า ตัวหยุดบอกความเงียบเฉพาะแนวดนตรีที่มันถูกเขียนไว้เท่านั้น ในซิมโฟนี ฟลูตอาจมีตัวหยุดขณะที่ไวโอลินบรรเลงท่อนที่ทะยาน บนเปียโน มือซ้ายอาจหยุดขณะที่มือขวาเล่นทำนองอันประณีต ในกรณีเหล่านี้ ตัวหยุดทำหน้าที่เป็นตัวยึดตำแหน่งที่จำเป็น ทำให้โครงสร้างจังหวะของแต่ละแนวที่เป็นอิสระถูกรักษาไว้อย่างแม่นยำทางคณิตศาสตร์
สิ่งนี้นำไปสู่หลักการพื้นฐานของการเขียนจังหวะ: ในห้องเพลงใดก็ตาม ความยาวรวมของโน้ตและตัวหยุดทั้งหมดต้อง "บวกกันได้" เท่าค่ารวมที่เครื่องหมายกำหนดจังหวะระบุไว้พอดี ไม่มากไม่น้อย
แต่ดนตรีมีข้อยกเว้นที่ใช้งานได้จริงอย่างน่าชื่นชมกับกฎนี้ — เป็นตัวย่อแหลมคมที่เกี่ยวกับตัวหยุดตัวกลม ขณะที่มันแทนความเงียบยาวเท่าโน้ตตัวกลมได้ มันมักทำหน้าที่พิเศษกว่านั้น: บอกความเงียบเต็มหนึ่งห้องเพลง ไม่ว่าเครื่องหมายกำหนดจังหวะจะเป็นอะไร ตัวอย่างเช่น ถ้าคุณเห็นตัวหยุดตัวกลมตัวเดียวในห้องเพลงของอัตรา 3/4 หรือ 2/4 นั่นไม่ใช่ความผิดพลาด มันคือคำสั่งให้เงียบตลอดห้องเพลงนั้น (สามจังหวะหรือสองจังหวะตามลำดับ) มันคือสัญลักษณ์สากลของ "แนวนี้เงียบตลอดห้องเพลงนี้"
ทุกโน้ตมีตัวหยุดของมัน
สำหรับความยาวโน้ตแต่ละค่า ดนตรีมีตัวหยุดที่ยาวเท่ากันเป๊ะให้
2.4 พิมพ์เขียวของจังหวะ: เครื่องหมายกำหนดจังหวะ
ตอนนี้เราเข้าใจสัญลักษณ์ของเสียงและความเงียบแล้ว เราต้องเรียนวิธีจัดระเบียบมัน นี่คือบทบาทสำคัญของเครื่องหมายกำหนดจังหวะ คุณจะพบสัญลักษณ์นี้ — โดยทั่วไปเป็นเลขสองตัวซ้อนกันในแนวตั้ง — ที่จุดเริ่มต้นของโน้ตเพลง อยู่ถัดจากเครื่องหมายประจำกุญแจเสียง
ขณะที่เครื่องหมายประจำกุญแจเสียงปรากฏซ้ำบนทุกบรรทัดอย่างขยันเพื่อเตือนเราถึงภูมิทัศน์ของเสียง เครื่องหมายกำหนดจังหวะปรากฏเพียงครั้งเดียวที่ต้นเรื่อง มันเป็นเช่นนั้นเพราะงานของมันคือสถาปนากรอบจังหวะพื้นฐาน หรืออัตราจังหวะ ที่จะกำกับบทเพลง ให้คิดว่ามันคือหัวใจที่เต้นของดนตรี อัตราจังหวะนี้จะคงที่เว้นแต่ผู้ประพันธ์ตั้งใจเปลี่ยนความรู้สึกของจังหวะ ซึ่งจุดนั้นจะมีเครื่องหมายกำหนดจังหวะใหม่ปรากฏขึ้น โดยแก่นแท้ เครื่องหมายกำหนดจังหวะคือพิมพ์เขียวของจังหวะสำหรับดนตรี ที่นิยามรูปแบบวนซ้ำของจังหวะหนักและเบา ซึ่งให้ชีพจรอันเป็นเอกลักษณ์แก่บทเพลง
2.5 จังหวะและห้องเพลง: หัวใจที่เต้นของดนตรี
ในระดับพื้นฐานที่สุด ดนตรีถูกจัดระเบียบด้วยจังหวะ — ชีพจรที่คงที่และรองรับอยู่ ซึ่งชวนให้คุณเคาะเท้า ตบมือ หรือเต้นตาม จังหวะคือตารางที่ผู้ประพันธ์สร้างงานของตนบนนั้น และในดนตรีส่วนใหญ่ เหตุการณ์ดนตรีสำคัญถูกจับเวลาให้ตรงกับจุดเริ่มของจังหวะ ทำให้ชีพจรรู้สึกเป็นธรรมชาติและตามได้ง่าย
จุดเริ่มของแต่ละจังหวะคือช่วงที่หนักที่สุดของมัน เป็นขณะของการเน้นที่เราเรียกว่าจังหวะตก คำนี้ยืมมาจากศิลปะของวาทยกร หมายถึงขณะที่ไม้บาตองของเขากวาดลงอย่างเด็ดขาด แต่ดนตรีแทบไม่เคยประกอบด้วยกระแสชีพจรที่สม่ำเสมอไม่หยุด แทนที่จะเป็นเช่นนั้น จังหวะเหล่านี้ถูกรวบเข้าเป็นรูปแบบการเน้นที่วนซ้ำ — จังหวะหนักตามด้วยจังหวะเบาหนึ่งจังหวะหรือมากกว่า ลองนึกถึง หนึ่ง-สอง-สาม อันสง่างามของวอลซ์ หรือ หนึ่ง-สอง-สาม-สี่ อันหนักแน่นของมาร์ช
กลุ่มจังหวะที่วนซ้ำเหล่านี้เรียกว่าห้องเพลง มันคือภาชนะที่บรรจุจังหวะไว้ เส้นแนวตั้งที่คุณเห็นบนบรรทัด เรียกว่าเส้นกั้นห้อง เป็นตัวกำหนดเขตแดนระหว่างห้องเพลงหนึ่งกับห้องถัดไป
และนี่พาเรากลับมาครบวงจร กลับมาที่เพื่อนของเราคือเครื่องหมายกำหนดจังหวะ สัญลักษณ์นี้คือสิ่งที่ถอดรหัสอัตราจังหวะให้เรา เลขบนบอกคุณว่ามีกี่จังหวะบรรจุอยู่ในแต่ละห้องเพลง ขณะที่เลขล่างระบุว่าโน้ตชนิดใดได้รับเกียรติเป็นหนึ่งจังหวะเต็ม
2.6 ถอดรหัสเครื่องหมายกำหนดจังหวะ
อย่างที่เราคุยกัน เครื่องหมายกำหนดจังหวะประกอบด้วยเลขสองตัวซ้อนกัน ความหมายของมันตรงไปตรงมาและไม่กำกวม
เลขบนคือการนับอย่างง่าย: มันบอกคุณตรงๆ ว่ามีกี่จังหวะบรรจุอยู่ในทุกๆ ห้องเพลง
เลขล่างระบุหน่วยจังหวะ: มันบอกว่าโน้ตชนิดใดถูกกำหนดค่าเป็นหนึ่งจังหวะ เลขนั้นสอดคล้องกับชื่อเศษส่วนของโน้ต: '2' สำหรับโน้ตตัวขาว '4' สำหรับโน้ตตัวดำ '8' สำหรับโน้ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้น และไล่ต่อไปเรื่อยๆ
มาดูเครื่องหมายกำหนดจังหวะที่พบบ่อยที่สุดในทั้งหมด คือ 4/4 เลข '4' ตัวบนบอกเราว่ามีสี่จังหวะในทุกห้องเพลง เลข '4' ตัวล่างระบุว่าโน้ตตัวดำได้หนึ่งจังหวะ ดังนั้นในอัตรา 4/4 แต่ละห้องเพลงจะบรรจุค่าจังหวะเทียบเท่าโน้ตตัวดำสี่ตัว
นี่คือจุดที่ความคล้ายเศษส่วนทางคณิตศาสตร์ของเครื่องหมายกำหนดจังหวะกลายเป็นเรื่องใช้งานได้จริงอย่างน่าชื่นชม แต่ละห้องเพลงต้องถูก "เติมเต็ม" ด้วยการผสมโน้ตและตัวหยุดใดก็ได้ที่รวมกันได้ค่าที่ระบุไว้ ในตัวอย่าง 4/4 ของเรา ทำได้ด้วยโน้ตตัวดำสี่ตัวก็ได้ แต่ก็ทำได้ด้วยโน้ตตัวขาวสองตัว โน้ตตัวกลมหนึ่งตัว โน้ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้นแปดตัว หรือการผสมจังหวะอื่นได้อย่างไม่จำกัด
สุดท้าย เพราะอัตราจังหวะบางอัตราแพร่หลายมาก บรรพบุรุษทางดนตรีของเราจึงคิดตัวย่อที่สะดวกขึ้นมา เครื่องหมาย 4/4 แพร่หลายมากจนมักเรียกว่าอัตราสามัญ และแทนได้ด้วยตัว "C" ขนาดใหญ่ ในทำนองเดียวกัน อัตรา 2/2 (สองจังหวะโน้ตตัวขาวต่อห้องเพลง) รู้จักกันในชื่ออัตราตัดครึ่ง หรือ alla breve และเขียนเป็นตัว "C" เดียวกันที่มีเส้นขีดตั้งผ่ากลาง
ตัวถอดรหัสเครื่องหมายกำหนดจังหวะ
เลือกเลขบน (จังหวะต่อห้องเพลง) และเลขล่าง (ค่าโน้ตที่เป็นหนึ่งจังหวะ)
2.7 อัตราจังหวะธรรมดาเทียบกับผสม: ความรู้สึกของจังหวะ
คำถามที่แหลมคมย่อมเกิดขึ้นจากการคุยของเรา ถ้าห้องเพลงของอัตรา 4/4 บรรจุความยาวรวมเท่ากับห้องเพลงของอัตรา 2/2 (อัตราตัดครึ่ง) ทำไมไม่ใช้สลับกันได้เลย? และทำไมต้องเขียนดนตรีในอัตรา "หนึ่ง-หนึ่ง" หรือ "แปด-แปด"? คำตอบอยู่ที่ความแตกต่างสำคัญระหว่างเลขคณิตเฉยๆ กับความรู้สึกที่จับต้องได้ของดนตรี
การเลือกเครื่องหมายกำหนดจังหวะของผู้ประพันธ์ไม่ใช่การคำนวณทางคณิตศาสตร์เท่าไร แต่เป็นคำสั่งว่าดนตรีควรถูกรับรู้ นับ และอำนวยเพลงอย่างไรมากกว่า เลขเหล่านั้นคือแนวทางสู่จิตวิญญาณของดนตรี ถามตัวเองว่า: ชีพจรรู้สึกเป็นรูปแบบสี่จังหวะที่คงที่และตั้งใจ หรือเทมโปเร็วจนคุณรู้สึกเพียงสองชีพจรหลักต่อห้องเพลง? ผู้ประพันธ์เลือกการเขียนที่สะท้อนบุคลิกที่ต้องการนี้ดีที่สุด เครื่องหมาย 4/4 สื่อถึงสี่จังหวะที่ชัดเจนต่อห้องเพลง ขณะที่ 2/2 แม้เหมือนกันทางคณิตศาสตร์ สื่อถึงความรู้สึกที่กระชับกว่าด้วยสองจังหวะหลัก
สิ่งนี้พาเรามาสู่หมวดอัตราจังหวะที่แสดงออกได้อย่างน่าชื่นชม รู้จักกันในชื่ออัตราจังหวะผสม ลองพิจารณาเครื่องหมาย 6/8 ที่พบบ่อยมาก เมื่อมองแวบแรก เลขบอกว่าหกจังหวะต่อห้องเพลง โดยโน้ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้นได้หนึ่งจังหวะ แม้เราจะนับ "1-2-3-4-5-6" อย่างเร็วมากได้ แต่ดนตรีมักถูกรู้สึกและอำนวยเพลงเป็นสองจังหวะกว้างที่โยกตัวต่อห้องเพลงแทบทุกครั้ง
ถ้าเช่นนั้น ทำไมเขียน 6/8 แทน 2/4? ความลับอยู่ที่วิธีแบ่งจังหวะหลักสองจังหวะนั้น ในอัตราจังหวะธรรมดาอย่าง 2/4 หรือ 4/4 จังหวะแบ่งเป็นสองส่วนโดยธรรมชาติ (โน้ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้นสองตัวในหนึ่งจังหวะโน้ตตัวดำ) แต่ในอัตราจังหวะผสม จังหวะหลักแต่ละจังหวะแบ่งเป็นสามส่วน ในอัตรา 6/8 จังหวะหลักสองจังหวะไม่ได้แทนด้วยโน้ตธรรมดา แต่ด้วยโน้ตตัวดำประจุด (ซึ่งมีค่าเท่าโน้ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้นสามตัว)
นี่คือวิธีอันแหลมคมของผู้ประพันธ์ในการสร้างจังหวะที่ไหวเอน ลื่นไหล หรือควบม้า ด้วยการรวบโน้ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้นเป็นกลุ่มสาม พวกเขาสร้างความรู้สึกจังหวะที่ทำไม่ได้ในอัตราจังหวะธรรมดา หลักการนี้ขยายไปสู่อัตราจังหวะผสมอื่น: 9/8 รู้สึกเป็นสามจังหวะโน้ตตัวดำประจุดต่อห้องเพลง และ 12/8 รู้สึกเป็นสี่จังหวะ แต่ละจังหวะมีการแบ่งเป็นสามแบบเดียวกัน
เครื่องเล่นชีพจรจังหวะ — สัมผัสความต่าง
เลือกอัตราจังหวะ กด เล่น จังหวะหนักเป็นสีเข้ม การแบ่งย่อยจะเรืองแสงเมื่อมันดัง อัตราจังหวะธรรมดาแบ่งด้วย 2 (“1-แอนด์”) แบบผสมแบ่งด้วย 3 (“1-แอนด์-อะ”)
2.8 อัตราจังหวะคืออะไร? การจำแนกและการจับสังเกต
แน่นอน เราใช้คำว่า "อัตราจังหวะ" บ่อยมาก ตอนนี้เรามานิยามมันอย่างเป็นทางการและสำรวจวิธีจำแนกและจับสังเกตองค์ประกอบพื้นฐานนี้ของโครงสร้างดนตรี
ที่แกนกลาง อัตราจังหวะคือสถาปัตยกรรมทางจังหวะของดนตรี เป็นรูปแบบวนซ้ำของจังหวะหนักและเบาที่สร้างชีพจรซึ่งเรารู้สึกได้เอง ขณะที่ทำนองและจังหวะบนพื้นผิวอาจหลากหลายไม่สิ้นสุด มันถูกสร้างบนกรอบที่คงที่และรองรับอยู่นี้ รูปแบบทางอัตราจังหวะนี้คือสิ่งที่ทำให้เราจัดดนตรีเป็นห้องเพลงได้ ตามท่าทางของวาทยกรได้ และรู้สึกถึงดนตรีในร่างกายของเราได้
สำคัญที่ต้องรู้ว่าไม่ใช่ดนตรีทุกชิ้นมีอัตราจังหวะที่แยกแยะได้ รูปแบบโบราณอย่างบทขับเกรกอเรียนและดนตรีทดลองร่วมสมัยบางชิ้นอาจไหลไปอย่างอิสระ ไม่ถูกจำกัดด้วยชีพจรที่สม่ำเสมอ แต่ในดนตรีตะวันตกส่วนใหญ่อย่างมาก อัตราจังหวะคือเครื่องยนต์ที่ขับจังหวะไปข้างหน้า
เราจำแนกอัตราจังหวะได้สองทางหลัก
ทางแรก เราระบุมันด้วยจำนวนจังหวะในแต่ละรูปแบบที่วนซ้ำ
- อัตราจังหวะสองจังหวะ: รูปแบบสองจังหวะ โดยทั่วไปรู้สึกเป็น หนัก-เบา
- อัตราจังหวะสามจังหวะ: รูปแบบสามจังหวะ รู้สึกเป็น หนัก-เบา-เบา
- อัตราจังหวะสี่จังหวะ: รูปแบบสี่จังหวะ รู้สึกเป็น หนักที่สุด-เบา-หนัก-เบา
ทางที่สอง เราจำแนกอัตราจังหวะตามวิธีที่แต่ละจังหวะถูกแบ่งย่อย
- อัตราจังหวะธรรมดา: ในอัตราจังหวะธรรมดา แต่ละจังหวะแบ่งเป็นสองส่วนเท่ากันโดยธรรมชาติ ลองนึกถึงการนับ "หนึ่ง-แอนด์ สอง-แอนด์" ตัว "&" คือการแบ่งย่อย เครื่องหมายอย่าง 2/4, 3/4 และ 4/4 เป็นตัวอย่างของอัตราจังหวะธรรมดาทั้งหมด
- อัตราจังหวะผสม: ในอัตราจังหวะผสม แต่ละจังหวะแบ่งเป็นสามส่วนเท่ากันโดยธรรมชาติ สร้างความรู้สึกไหวเอนที่มีสามเป็นฐาน ลองนึกถึงการนับ "หนึ่ง-แอนด์-อะ สอง-แอนด์-อะ" เครื่องหมายอย่าง 6/8, 9/8 และ 12/8 คืออัตราจังหวะผสมที่พบบ่อยที่สุดของเรา
ถ้าเช่นนั้น คุณจับสังเกตอัตราจังหวะในดนตรีที่คุณได้ยินอย่างไร? กุญแจคือฟังผ่านจังหวะที่ซับซ้อนบนพื้นผิวไปให้เจอชีพจรพื้นฐาน — จังหวะที่คุณจะเคาะเท้าตาม เมื่อเจอแล้ว ฟังให้ใกล้ขึ้นว่าจังหวะนั้นถูกแบ่งอย่างไร รู้สึกเหมือนมาร์ชไหม ("หนึ่ง-แอนด์ สอง-แอนด์")? คุณน่าจะกำลังฟังอัตราจังหวะธรรมดา มันมีคุณภาพที่ลื่นไหลและเหมือนการเต้นมากกว่าไหม ("หนึ่ง-แอนด์-อะ สอง-แอนด์-อะ")? คุณอยู่ในอัตราจังหวะผสมแทบแน่นอน ด้วยการฝึกเล็กน้อย คุณจะเริ่มรู้สึกถึงรูปแบบจังหวะเหล่านี้ ไม่ใช่เพียงในฐานะแนวคิดทางทฤษฎี แต่ในฐานะหัวใจที่เต้นของดนตรีเอง
2.9 โน้ตนำเข้า: แผ่นกระโดดทางจังหวะ
ตอนนี้มาสำรวจข้อยกเว้นน่าสนใจของกฎอัตราจังหวะ เป็นกลไกทางจังหวะที่ให้ความรู้สึกรอคอยและแรงเคลื่อนไปข้างหน้าแก่ดนตรี: โน้ตนำเข้า
เราได้วางกฎพื้นฐานไว้ว่า ทุกห้องเพลงในบทเพลงต้องบรรจุจำนวนจังหวะตรงตามที่เครื่องหมายกำหนดจังหวะระบุไว้ แต่ดนตรีมักไม่เริ่มตรงจังหวะที่หนึ่งพอดี เช่นเดียวกับที่ผู้พูดอาจเริ่มประโยคด้วยคำเกริ่นนำ ผู้ประพันธ์เริ่มทำนองด้วยโน้ตหนึ่งตัวหรือมากกว่าที่นำเข้าสู่จังหวะตกหนักครั้งแรกได้ โน้ตเกริ่นนำเหล่านี้ประกอบเป็นสิ่งที่เรียกว่าห้องเพลงนำเข้า
ห้องเพลงนำเข้าคือห้องเพลงแรกที่ไม่สมบูรณ์โดยนิยาม มันบรรจุเพียงโน้ตที่มาก่อนห้องเพลงเต็มห้องแรกของบทเพลง สิ่งนี้สร้างความรู้สึกพุ่งไปข้างหน้าอย่างน่าชื่นชม เหมือนดนตรีวิ่งเอาแรงก่อนจะลงที่ "จังหวะหนึ่ง"
เพื่อรักษาสมดุลทางอัตราจังหวะของบทประพันธ์โดยรวม มีธรรมเนียมอันงดงามอยู่: ห้องเพลงสุดท้ายของบทเพลงจะถูกย่อลงเท่าความยาวของห้องเพลงนำเข้าพอดี ด้วยวิธีนี้ ห้องเพลงแรกที่ไม่สมบูรณ์และห้องเพลงสุดท้ายที่ไม่สมบูรณ์รวมกันได้เท่าห้องเพลงเต็มหนึ่งห้อง นำความรู้สึกปิดฉากที่น่าพึงพอใจมาสู่ผลงาน ตัวอย่างเช่น ในบทเพลงอัตรา 4/4 ที่เริ่มด้วยโน้ตนำเข้าตัวดำหนึ่งตัว ห้องเพลงสุดท้ายจะบรรจุเพียงสามจังหวะ
แนวคิดนี้ไม่ได้จำกัดอยู่แค่ต้นบทเพลง วรรคเพลงใดก็เริ่มด้วยโน้ตนำเข้าได้ — โน้ตที่เกิดขึ้นก่อนจังหวะหนักครั้งแรกของวรรคนั้น มันทำหน้าที่เป็นแผ่นกระโดดทางจังหวะ ส่งผู้ฟังและผู้บรรเลงเข้าสู่หัวใจของความคิดทางทำนอง มันคือ "แอนด์" ก่อน "หนึ่ง" เป็นลมหายใจก่อนคำแถลง และเป็นเครื่องมือสำคัญในกล่องเครื่องมือการแสดงออกของผู้ประพันธ์
2.10 ขยายจังหวะ: จุด เส้นโยงเสียง และการยืมการแบ่ง
ระบบจังหวะของเราที่สร้างบนหลักการอันงดงามของการหารครึ่งความยาวนั้นทรงพลังอย่างน่าทึ่ง แต่จะเกิดอะไรขึ้นเมื่อเราต้องการสร้างความยาวที่อยู่ระหว่างค่าที่กำหนดไว้เหล่านี้ หรือต้องข้ามเขตแดนของห้องเพลง? สำหรับเรื่องนี้ ดนตรีใช้กลไกอันแหลมคมสามอย่าง: จุด เส้นโยงเสียง และการยืมการแบ่ง
อย่างแรกและพบบ่อยที่สุดคือจุด เมื่อวางไว้หลังหัวโน้ตทันที จุดจะเพิ่มความยาวของโน้ตนั้นครึ่งหนึ่งของค่าเดิม ให้คิดว่าจุดคือคำสั่งให้ "เพิ่ม 50%" ตัวอย่างเช่น โน้ตตัวขาวประจุดค้างไว้ไม่ใช่สองจังหวะ แต่เป็นสาม — สองจังหวะเดิมบวกอีกหนึ่ง (ครึ่งของสอง) ในทำนองเดียวกัน โน้ตตัวดำประจุดค้างไว้เท่าโน้ตตัวดำบวกโน้ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้น เกิดความยาวหนึ่งจังหวะครึ่ง
ต่อไปคือเส้นโยงเสียง เป็นเส้นโค้งที่เชื่อมโน้ตสองตัวที่มีระดับเสียงเดียวกันเป๊ะ หน้าที่ของมันคือหลอมทั้งสองเป็นเสียงเดียวที่ไม่ขาดตอน โดยมีความยาวเท่าผลรวมของทั้งสอง เส้นโยงเสียงไม่ใช่เพียงความสะดวก มันเป็นวิธีเดียวที่โน้ตตัวเดียวจะค้างเสียงข้ามเส้นกั้นห้อง ซึ่งเป็นเขตแดนพื้นฐานของห้องเพลงได้ สำคัญมากที่ต้องไม่สับสนเส้นโยงเสียงกับเส้นโยงวรรค ซึ่งหน้าตาคล้ายกันแต่เชื่อมโน้ตที่มีระดับเสียงต่างกันเพื่อบอกว่าควรเล่นให้นุ่มนวลเชื่อมกัน
สุดท้าย เรามาถึงเครื่องมือที่กล้าหาญที่สุดทางจังหวะในกลุ่มนี้: การยืมการแบ่ง สิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อเราก้าวออกนอกการแบ่งย่อยตามธรรมชาติของอัตราจังหวะชั่วขณะ ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงที่สุดคือทริปเปล็ต ที่เราใส่โน้ตเท่ากันสามตัวลงในเวลาที่ปกติจัดไว้ให้สองตัว กำกับด้วยเลข '3' ตัวเล็กเขียนไว้เหนือโน้ต ทริปเปล็ตยืมความรู้สึก "สามส่วน" ของอัตราจังหวะผสมมาให้อัตราจังหวะธรรมดาชั่วคราว
แนวคิดของความรู้สึกที่มีทริปเปล็ตเป็นฐานนี้เองคือหัวใจและจิตวิญญาณของจังหวะสวิง ซึ่งเป็นเสาหลักของแจ๊สและบลูส์ ในบริบท "สวิง" โน้ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้นที่เขียนเป็นคู่บนหน้ากระดาษไม่ได้ถูกบรรเลงอย่างสม่ำเสมอ แทนที่จะเป็นเช่นนั้น มันถูกตีความด้วยความรู้สึกยาว-สั้นที่มีทริปเปล็ตเป็นฐาน เหมือนว่าโน้ตตัวแรกเป็นทริปเปล็ตตัวดำและตัวที่สองเป็นทริปเปล็ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้น การตีความจังหวะอันละเอียดนี้ ซึ่งมักถูกสื่อโดยสไตล์ของดนตรีเอง ให้ความกระเด้งและชีวิตอันเป็นเอกลักษณ์แก่จังหวะ
ของเล่นจังหวะ
เครื่องมือแกนสามอย่างสำหรับยืด เชื่อม และยืมจังหวะ
ตัวขาวประจุด = 3 จังหวะ
จุดเพิ่ม 50% ของค่าโน้ต ตัวขาว (2 จังหวะ) + จุด (1 จังหวะ) = 3 จังหวะ
เส้นโยงเสียงข้ามเส้นกั้นห้อง
ระดับเสียงเดียวกัน เชื่อมด้วยเส้นโค้ง — ค้างเป็นเสียงเดียว เป็นวิธีเดียวที่จะค้างโน้ตข้ามเส้นกั้นห้องได้
ทริปเปล็ตตัวเขบ็ตหนึ่งชั้น
โน้ตสามตัวในเวลาที่ปกติใช้สองตัว — เป็นความรู้สึกแบบผสมที่ยืมมาใช้ในอัตราจังหวะธรรมดา เลข “3” เป็นเครื่องหมายบอกการยืม
2.11 ศิลปะของการแหกกฎ: การขัดจังหวะ
เราเชี่ยวชาญกฎของจังหวะแล้ว ตอนนี้มาศึกษาศิลปะของการแหกกฎมัน สิ่งนี้พาเรามาสู่หนึ่งในองค์ประกอบที่น่าตื่นเต้นและสำคัญยิ่งที่สุดในดนตรีทั้งหมด: การขัดจังหวะ
ลองจินตนาการชีพจรที่คงที่และคาดเดาได้ — หนึ่ง-สอง-สาม-สี่ ที่เป็นรากฐานของดนตรีตะวันตกจำนวนมาก นี่คือความคาดหวังทางจังหวะของเรา การขัดจังหวะคือศิลปะอันน่าชื่นชมของการท้าทายความคาดหวังนั้น มันคือจังหวะใดก็ตามที่วางการเน้นไว้บนจังหวะเบาอย่างมีกลยุทธ์ หรือที่ยิ่งน่าตื่นเต้นกว่า วางบนการแบ่งย่อยระหว่างจังหวะ — ขณะที่เราเรียกว่าจังหวะยก
ให้คิดว่าอัตราจังหวะคือตารางที่แข็งแรงและคาดเดาได้ การขัดจังหวะคือการระบายสีออกนอกเส้นอย่างมีศิลปะ มันสร้างความตึงเครียดทางจังหวะที่ตื่นเต้นด้วยการผลักและดึงกับชีพจรที่รองรับอยู่ ผู้ประพันธ์ทำผลนี้ได้หลายวิธี: ด้วยการวางโน้ตยาวหรือโน้ตสูงไว้บนจังหวะเบา ด้วยการใช้เครื่องหมายเน้น หรือด้วยการเริ่มเปลี่ยนคอร์ดในจุดที่ไม่คาดคิด
ขณะที่จังหวะที่คงที่ให้ความอบอุ่นใจ ความคาดเดาได้ตลอดเวลาอาจกลายเป็นความจำเจ การขัดจังหวะคือยาแก้ มันฉีดความประหลาดใจ พลัง และความรู้สึกพุ่งไปข้างหน้าเข้าไปในดนตรี เทคนิคนี้ไม่ใช่สิ่งประดิษฐ์ยุคใหม่ คุณพบมันได้ในผลงานของบาค แต่มันคือเลือดหล่อเลี้ยงของแนวเพลงยุคใหม่หลายแนวอย่างแท้จริง
ตัวอย่างเช่น บุคลิกกระฉับกระเฉงติดหูของแร็กไทม์เกิดจากการขัดจังหวะที่ไม่หยุดในทำนองมือขวาที่เต้นอยู่เหนือจังหวะคงที่เหมือนมาร์ชของมือซ้าย ความรู้สึก "สวิง" ทั้งหมดของแจ๊สเป็นรูปแบบอันประณีตของการขัดจังหวะ และ "แบ็กบีต" ที่ขับเคลื่อนเพลงร็อกและป๊อปนับไม่ถ้วน — การตบมืออย่างหนักแน่นบนจังหวะที่สองและสี่ — อาจเป็นการขัดจังหวะที่มีชื่อเสียงที่สุดในทั้งหมด
เพื่อได้ยินการขัดจังหวะ ก่อนอื่นให้หาชีพจรที่คงที่ของดนตรี — จังหวะที่คุณจะเคาะเท้าตาม แล้วฟังหาเหตุการณ์ดนตรีสำคัญทั้งหมดที่เกิดขึ้นนอกจังหวะเคาะนั้น การเคลื่อนที่ผิดที่ทางจังหวะนั้น การขบถอย่างขี้เล่นต่อจังหวะนั้น คือเสียงอันน่าตื่นเต้นของการขัดจังหวะ
2.12 เทมโปและการเดินทางในโน้ตเพลง: ความเร็วและแผนที่นำทาง
หลังจากเชี่ยวชาญการเขียนจังหวะว่าจะเล่นอะไรและนานเท่าไร ตอนนี้เราต้องตอบคำถามสำคัญว่าเร็วเท่าไร นี่คืออาณาเขตของเทมโป ผู้ประพันธ์สื่อความเร็วที่ต้องการของบทเพลงด้วยสองวิธีหลัก: วิธีหนึ่งแม่นยำแบบวิทยาศาสตร์ อีกวิธีบรรยายแบบศิลปะ ทั้งสองมักพบเหนือบรรทัดที่ต้นบทเพลงและที่จุดใดก็ตามที่ต้องใช้เทมโปใหม่
ความแม่นยำของเมโทรนอม
วิธีที่เด็ดขาดและไม่กำกวมที่สุดในการกำกับเทมโปคือเครื่องหมายเมโทรนอม การเขียนนี้ระบุจำนวนจังหวะที่ควรเกิดขึ้นต่อนาที (BPM) อย่างแน่นอน ตัวอย่างเช่น เครื่องหมายโน้ตตัวดำตามด้วย "= 120" สั่งให้ผู้บรรเลงตั้งเมโทรนอมที่ 120 คลิกต่อนาที โดยแต่ละคลิกแทนความยาวของโน้ตตัวดำหนึ่งตัว สิ่งนี้ให้ความเร็วที่เจาะจงและเป็นภาววิสัย แต่ขอเตือนไว้ว่า แม้เมโทรนอมจริงหลายเครื่องจะมีคำบอกเทมโปตามธรรมเนียมอย่าง Allegro หรือ Andante พิมพ์อยู่บนหน้าปัด สิ่งเหล่านั้นเป็นเพียงข้อเสนอแนะ อำนาจที่แท้จริงอยู่ที่เครื่องหมาย BPM ที่เจาะจงของผู้ประพันธ์ ไม่ใช่ป้ายทั่วไปบนอุปกรณ์
ศิลปะของคำบอกเทมโป
ที่พบบ่อยกว่านั้น คุณจะพบคำหรือวลีบรรยายที่สื่อบุคลิกและความรู้สึกของเทมโป สิ่งเหล่านี้เป็นอัตวิสัยและต้องการการตีความทางดนตรี ตามธรรมเนียมคำเหล่านี้เขียนเป็นภาษาอิตาลี ผู้บรรเลงต้องพิจารณาไม่เพียงตัวคำเอง แต่รวมถึงสไตล์ของดนตรีและความซับซ้อนของมันด้วย เพื่อไปถึงความเร็วที่เหมาะสม
นี่คือรายการเครื่องหมายเทมโปภาษาอิตาลีที่พบบ่อยที่สุด เรียงจากช้าที่สุดไปเร็วที่สุด:
- Grave: ช้ามากและขรึม
- Largo: ช้าและกว้าง
- Lento / Adagio: ช้า
- Larghetto: เร็วกว่า Largo เล็กน้อย
- Andante: แปลตรงตัวว่า "ในจังหวะเดิน" เป็นเทมโปช้าปานกลาง
- Moderato: ความเร็วปานกลาง อยู่กลางๆ
- Allegretto: ช้ากว่า Allegro เล็กน้อย เร็วปานกลาง
- Allegro: เร็วและสดใส
- Vivace: มีชีวิตชีวาและกระฉับกระเฉง
- Presto: เร็วมาก
- Prestissimo: เร็วที่สุดเท่าที่ทำได้
คำเหล่านี้มักถูกขยายความด้วยคำขยาย:
- molto: มาก (เช่น molto allegro - เร็วมาก)
- (un) poco: เล็กน้อย (เช่น un poco rit. - ช้าลงเล็กน้อย)
- piu: มากขึ้น (เช่น piu mosso - เคลื่อนไหวมากขึ้น/เร็วขึ้น)
- meno: น้อยลง (เช่น meno mosso - เคลื่อนไหวน้อยลง/ช้าลง)
ขึ้นและลง: การเปลี่ยนเทมโปอย่างค่อยเป็นค่อยไป
ดนตรีแทบไม่เคยแข็งทื่อตามเมโทรนอม มันหายใจ พุ่งไปข้างหน้า และผ่อนคลาย ผู้ประพันธ์กำกับการเปลี่ยนแปลงอย่างค่อยเป็นค่อยไปเหล่านี้ด้วยคำเฉพาะ:
- accelerando (accel.): เร็วขึ้นอย่างค่อยเป็นค่อยไป
- ritardando (rit.) / rallentando (rall.): ช้าลงอย่างค่อยเป็นค่อยไป
- ritenuto (riten.): ช้าลงทันที ถูกหน่วงไว้
- rubato: แปลตรงตัวว่า "ถูกขโมย" เป็นคำสั่งให้ยืดหยุ่นกับเวลา ผู้บรรเลงอาจเร็วขึ้นและช้าลงอย่างละเอียดเพื่อเสริมการแบ่งวรรคเพลง ขณะที่ยังรักษาเทมโปโดยรวมไว้
- Tempo I หรือ Tempo Primo: คำสั่งให้กลับไปที่เทมโปเริ่มต้นเดิมหลังการเปลี่ยนแปลง
แผนที่นำทางทางดนตรี: การเดินทางผ่านเครื่องหมายซ้ำ
การซ้ำเป็นพื้นฐานของโครงสร้างดนตรี เพื่อหลีกเลี่ยงการเขียนท่อนยาวหลายครั้ง ผู้ประพันธ์ใช้ชุดสัญลักษณ์อันงดงามและมีประสิทธิภาพ — เป็น "แผนที่นำทาง" ที่นำผู้บรรเลงผ่านดนตรี
เส้นกั้นห้องซ้ำ: เครื่องหมายที่พบบ่อยที่สุดคือเส้นกั้นห้องคู่ที่มีจุดสองจุด ท่อนดนตรีที่อยู่ระหว่างเครื่องหมาย "เริ่มการซ้ำ" (จุดอยู่ขวาของเส้น) และเครื่องหมาย "จบการซ้ำ" (จุดอยู่ซ้าย) ต้องเล่นสองครั้ง ถ้าไม่มีเครื่องหมาย "เริ่มการซ้ำ" คุณต้องกลับไปที่ต้นบทเพลงเลย
รอบที่หนึ่งและรอบที่สอง: บ่อยครั้งท่อนที่ซ้ำจะเหมือนกันจนถึงตอนท้าย ในกรณีนั้นผู้ประพันธ์ใช้วงเล็บที่มีเลขกำกับเรียกว่ารอบ ครั้งแรกที่ผ่าน คุณเล่นดนตรีใต้ "รอบที่ 1" แล้วเมื่อซ้ำ คุณข้ามรอบที่หนึ่งไปเล่นดนตรีใต้ "รอบที่ 2" ทันที
การเดินทางไกล: การข้ามท่อนใหญ่
สำหรับการเดินทางข้ามท่อนทั้งท่อนของบทประพันธ์ มีการใช้ชุดคำสั่งภาษาอิตาลี:
- Da Capo (D.C.): "จากหัว" กลับไปที่ต้นบทเพลงเลย
- Dal Segno (D.S.): "จากเครื่องหมาย" กลับไปที่สัญลักษณ์ที่ดูเหมือนตัว "S" ประดิษฐ์ที่มีเส้นขีดและจุด (คือ segno)
- Fine: คำว่า "Fine" บอกจุดจบของบทเพลง คำสั่งอย่าง D.C. al Fine หมายถึง "ไปที่ต้นเพลงแล้วเล่นจนถึงคำว่า Fine"
- Coda: Coda คือท่อนสรุปพิเศษของบทเพลง กำกับด้วยสัญลักษณ์ของมันเอง (มักเป็นวงกลมที่มีกางเขน) คำสั่งอย่าง D.S. al Coda หมายถึง "ไปที่เครื่องหมาย segno เล่นจนเห็นคำสั่ง 'To Coda' หรือสัญลักษณ์ coda แล้วกระโดดไปที่ท่อน Coda ที่แยกไว้ทันทีเพื่อจบบทเพลง"
เครื่องหมายนำทางเหล่านี้อาจดูซับซ้อนในตอนแรก แต่เมื่อศึกษาสักครู่ ตัวย่อทางดนตรีนี้จะกลายเป็นแนวทางที่ชัดเจนและมีเหตุผลในการทำให้โครงสร้างของผู้ประพันธ์มีชีวิตขึ้นมา
ตัวเลื่อนเทมโปแบบสด
ลากค่า BPM กด ตี๊ก แล้วสัมผัสคำภาษาอิตาลีที่ตรงกัน
100BPM
สัญลักษณ์แผนที่นำทาง
ทำนองสั้นๆ ที่มีเส้นกั้นห้องซ้ำและรอบที่ 1 / รอบที่ 2 — เหมือนที่สัญลักษณ์แผนที่นำทางปรากฏบนโน้ตเพลงจริง