Teori 2: Waktu

2.2 Arah tangkai: ke atas atau ke bawah?

Ah, sebuah pengamatan luar biasa yang mungkin telah Anda lakukan adalah bahwa tangkai not terkadang mengarah ke atas dan terkadang ke bawah. Ini bukan keputusan sewenang-wenang; melainkan mengikuti seperangkat konvensi yang elegan dan praktis yang dirancang dengan dua tujuan utama: memaksimalkan keterbacaan dan menjaga notasi sekompak dan serapi mungkin.

Prinsip mendasarnya cukup sederhana dan berkisar pada garis tengah paranada. Untuk setiap not tunggal yang berada di bawah garis tengah ini, tangkai naik. Untuk not yang ditulis pada garis tengah atau di atasnya, tangkai turun. Aturan elegan ini membuat sebagian besar not dan tangkainya tetap rapi di dalam atau dekat paranada, menciptakan partitur yang seimbang dan bersih secara visual.

Ketika kita mengelompokkan not, baik secara vertikal untuk membentuk akor maupun horizontal dengan balok, kita menerapkan prinsip «not terjauh». Arah tangkai seluruh kelompok ditentukan oleh not yang paling jauh dari pusat paranada. Teknik cerdik ini menjaga seluruh figur musik — tangkai, balok, dan segalanya — sekompak mungkin, mencegahnya menjulur terlalu jauh ke garis bantu di atas atau di bawah.

Namun, arah tangkai menjadi alat yang benar-benar ampuh dalam menjernihkan tekstur musik yang kompleks. Ketika satu paranada harus merepresentasikan dua garis musik independen sekaligus — sesuatu yang lazim dalam musik piano atau ketika dua penyanyi berbagi satu paranada — kita menetapkan tangkai ke atas untuk satu garis dan tangkai ke bawah untuk yang lain. Pemisahan visual krusial ini memungkinkan pemain mengikuti setiap bagian melodi dan ritme dengan jelas. Ini sangat vital ketika kedua garis musik bersilangan dalam nada; tanpa tangkai berlawanan, musik akan menjadi kekusutan not yang tak terbaca.

Jadi, seperti yang Anda lihat, arah tangkai jauh lebih dari sekadar pilihan estetis. Ia adalah aspek vital tata bahasa musik yang menata halaman, mengurai kerumitan, dan membuat maksud komposer benar-benar jelas bagi pemain.

2.3 Bunyi keheningan: tanda istirahat

Untuk merepresentasikan keheningan di partitur, kita menggunakan simbol yang disebut tanda istirahat. Sistem menotasikan keheningan adalah cermin sempurna dari sistem menotasikan bunyi. Setiap nilai not memiliki tanda istirahat dengan durasi yang persis sama. Not penuh memiliki istirahat penuhnya, not setengah istirahat setengahnya, not seperempat istirahat seperempatnya, dan seterusnya. Setiap istirahat memerintahkan pemain untuk diam selama rentang yang diukur dengan presisi.

Namun, penting untuk memahami bahwa sebuah istirahat menandakan keheningan hanya untuk bagian musik spesifik tempat ia ditulis. Dalam sebuah simfoni, flut bisa memiliki istirahat sementara biola memainkan bagian yang tinggi. Pada piano, tangan kiri bisa diam sementara tangan kanan memainkan melodi yang rumit. Dalam kasus ini, istirahat berfungsi sebagai penanda esensial, memastikan struktur ritmis setiap garis independen dipertahankan dengan presisi matematis.

Ini membawa pada prinsip mendasar notasi ritmis: dalam birama mana pun, durasi gabungan semua not dan istirahat harus «berjumlah» persis nilai total yang ditentukan tanda birama. Tidak lebih, tidak kurang.

Meski begitu, musik memiliki pengecualian yang sangat pragmatis terhadap aturan ini — sebuah akal cerdik yang melibatkan istirahat penuh. Meski ia bisa merepresentasikan keheningan sepanjang durasi not penuh, lebih sering ia menjalankan fungsi khusus: menandakan satu birama penuh keheningan, apa pun tanda biramanya. Misalnya, jika Anda melihat istirahat penuh sendirian dalam birama 3/4 atau 2/4, itu bukan kesalahan. Itu adalah instruksi untuk tetap diam selama seluruh birama itu (selama tiga atau dua ketukan, masing-masing). Ia adalah simbol universal untuk «bagian ini diam sepanjang birama ini».

2.4 Cetak biru ritmis: tanda birama

Kini setelah kita memahami simbol bunyi dan keheningan, kita harus belajar mengaturnya. Itulah peran krusial tanda birama. Anda akan menemukan simbol ini — biasanya dua angka bertumpuk vertikal — tepat di awal partitur, di samping tanda mula.

Sementara tanda mula dengan rajin muncul kembali di setiap paranada untuk mengingatkan kita akan lanskap tonal, tanda birama muncul sekali saja, di awal. Ia melakukannya karena fungsinya adalah menetapkan kerangka ritmis mendasar, atau metrum, yang akan mengatur karya. Anggaplah ia sebagai detak jantung musik. Metrum ini akan tetap konstan kecuali komposer sengaja memutuskan mengubah nuansa ritmis, saat itulah tanda birama baru diperkenalkan. Pada intinya, tanda birama adalah cetak biru ritmis musik, yang mendefinisikan pola berulang ketukan kuat dan lemah yang memberi sebuah karya denyut khasnya.

2.5 Ketukan dan birama: detak jantung musik

Pada tingkat paling elementernya, musik diatur oleh ketukan (pulsa) — detak teratur dan mendasari yang mengajak Anda mengetuk kaki, bertepuk, atau menari. Pulsa adalah kisi ritmis tempat komposer membangun kreasinya, dan dalam sebagian besar musik peristiwa musik penting disinkronkan dengan awalnya, membuat pulsa terasa alami dan mudah diikuti.

Awal setiap ketukan adalah momen terkuatnya, sesaat penekanan yang kita sebut ketukan kuat. Istilah ini dipinjam dari seni konduktor, dan menandai momen ketika tongkatnya membuat sapuan tegas ke bawah. Namun, musik jarang berupa aliran pulsa yang tak henti dan seragam. Ketukan-ketukan ini justru berkumpul dalam pola penekanan berulang — satu ketukan kuat diikuti satu atau lebih ketukan yang lebih lemah. Pikirkan SATU-dua-tiga yang anggun dalam sebuah wals atau SATU-dua-TIGA-empat yang tegas dalam sebuah mars.

Kelompok ritmis berulang ini disebut birama (istilah "birama" dan "bar" dapat dipertukarkan). Merekalah wadah yang menampung ketukan. Garis vertikal yang Anda lihat di paranada, disebut garis birama, menandai batas antara satu birama dan berikutnya.

Dan ini membawa kita kembali ke titik awal, ke teman kita tanda birama. Simbol inilah yang menguraikan metrum untuk kita. Angka atas memberi tahu Anda dengan tepat berapa banyak ketukan dalam setiap birama, sementara angka bawah mengidentifikasi jenis not mana yang mendapat kehormatan menerima satu ketukan penuh.

2.6 Menguraikan tanda birama

Seperti yang telah kita bahas, tanda birama terdiri dari dua angka, bertumpuk satu di atas yang lain. Maknanya langsung dan tak ambigu.

Angka atas adalah hitungan sederhana: ia memberi tahu Anda persis berapa banyak ketukan dalam setiap birama.
Angka bawah mengidentifikasi unit ritmis: ia memberi tahu Anda jenis not mana yang bernilai satu ketukan tunggal. Angka itu berkorespondensi dengan nama pecahan not: «2» untuk not setengah, «4» untuk not seperempat, «8» untuk not seperdelapan, dan seterusnya.

Mari ambil tanda birama yang paling ada di mana-mana, 4/4. «4» atas memberi tahu kita bahwa ada empat ketukan dalam setiap birama. «4» bawah menetapkan bahwa not seperempat bernilai satu ketukan. Karena itu, dalam 4/4, setiap birama akan berisi nilai ritmis setara dengan empat not seperempat.

Di sinilah kemiripan tanda birama dengan pecahan matematis menjadi sangat praktis. Setiap birama harus «diisi» dengan kombinasi not dan istirahat mana pun yang jumlahnya mencapai nilai yang ditunjukkan. Dalam contoh 4/4 kita, ini bisa dicapai dengan empat not seperempat, tentu saja, tetapi juga dengan dua not setengah, satu not penuh, delapan not seperdelapan, atau variasi kombinasi ritmis lain yang tak terbatas.

Terakhir, karena frekuensi luar biasa metrum tertentu, leluhur musik kita mengembangkan singkatan yang praktis. Tanda 4/4 begitu meluas sehingga sering disebut common time dan bisa direpresentasikan dengan «C» besar. Demikian pula, 2/2 (dua ketukan not setengah per birama) dikenal sebagai cut time atau alla breve, dan ditulis dengan «C» yang sama yang dipotong garis vertikal.

2.7 Birama sederhana atau majemuk: rasa waktu

Dari pembahasan kita muncul secara alami sebuah pertanyaan tajam. Jika birama 4/4 berisi durasi total yang sama dengan birama 2/2 (cut time), mengapa tidak menggunakannya secara bergantian? Dan mengapa, kalau begitu, menotasikan musik dalam «satu-satu» atau «delapan-delapan»? Jawabannya terletak pada perbedaan krusial antara sekadar aritmetika dan rasa musik yang nyata.

Pilihan tanda birama oleh seorang komposer lebih merupakan instruksi tentang bagaimana musik harus dipersepsikan, dihitung, dan dikonduktori daripada perhitungan matematis. Angka-angka adalah pemandu menuju jiwa musik. Tanyakan pada diri Anda: apakah pulsa terasa seperti pola empat ketukan yang teratur dan tenang, atau tempo begitu hidup sehingga Anda hanya merasakan dua pulsa utama per birama? Komposer memilih notasi yang paling mencerminkan karakter yang dituju itu. Tanda 4/4 menyiratkan empat ketukan berbeda per birama, sementara 2/2, meski secara matematis identik, menyiratkan rasa yang lebih gesit dengan dua ketukan utama.

Ini membawa kita ke kategori metrum yang sangat ekspresif, dikenal sebagai birama majemuk. Perhatikan tanda 6/8 yang sangat umum. Sekilas, angkanya menyiratkan enam ketukan per birama, dengan not seperdelapan sebagai ketukan. Meski Anda bisa menghitung «1-2-3-4-5-6» yang sangat cepat, musik hampir selalu terasa dan dikonduktori dalam dua ketukan lebar yang berayun per birama.

Jadi, mengapa menulis 6/8 alih-alih 2/4? Rahasianya terletak pada bagaimana masing-masing dari dua ketukan utama itu dibagi. Dalam birama sederhana seperti 2/4 atau 4/4, ketukan terbagi secara alami menjadi dua bagian (dua not seperdelapan dalam satu ketukan not seperempat). Dalam birama majemuk, sebaliknya, setiap ketukan utama terbagi menjadi tiga bagian. Dalam 6/8, masing-masing dari dua ketukan utama direpresentasikan bukan dengan not sederhana, melainkan dengan not seperempat bertitik (yang bernilai tiga not seperdelapan).

Inilah metode cerdik komposer untuk menciptakan ritme yang berayun, mengalir, atau berderap. Dengan mengelompokkan not seperdelapan bertiga-tiga, ia menciptakan rasa ritmis yang mustahil dicapai dalam birama sederhana. Prinsip ini meluas ke birama majemuk lain: 9/8 terasa seperti tiga ketukan not seperempat bertitik per birama, dan 12/8 seperti empat, masing-masing dengan subdivisi ternari khas yang sama.

2.8 Apa itu metrum? Klasifikasi dan pengenalan

Tentu saja. Kita telah cukup sering menggunakan kata «metrum». Mari kita definisikan sekarang secara formal dan jelajahi cara mengklasifikasi dan mengenali elemen mendasar struktur musik ini.

Pada intinya, metrum adalah arsitektur ritmis musik, pola berulang ketukan kuat dan lemah yang menciptakan pulsa yang kita rasakan secara intuitif. Meski melodi dan ritme di permukaan bisa bervariasi tanpa batas, mereka bersandar pada kerangka teratur yang mendasari ini. Pola metrik inilah yang memungkinkan kita mengatur musik menjadi birama, mengikuti gestur seorang konduktor, dan merasakan musik dalam tubuh kita.

Penting dicatat bahwa tidak semua musik memiliki metrum yang dapat dirasakan. Bentuk kuno seperti kidung Gregorian dan sebagian musik eksperimental kontemporer bisa mengalir bebas, tanpa batasan pulsa yang teratur. Namun, dalam sebagian besar musik Barat, metrum adalah mesin yang mendorong ritme maju.

Kita bisa mengklasifikasikan metrum dengan dua cara utama.

Pertama, kita mengidentifikasinya berdasarkan jumlah ketukan setiap pola berulang.

• Metrum biner: Pola dua ketukan, biasanya terasa sebagai kuat-lemah.
• Metrum terner: Pola tiga ketukan, terasa sebagai kuat-lemah-lemah.
• Metrum kuaterner: Pola empat ketukan, terasa sebagai paling kuat-lemah-kuat-lemah.

Kedua, kita mengklasifikasikan metrum menurut cara setiap ketukan individu terbagi.

• Birama sederhana: Dalam birama sederhana, setiap ketukan terbagi secara alami menjadi dua bagian yang sama. Pikirkan menghitung «SATU-dan, DUA-dan.» «&» adalah subdivisinya. Tanda seperti 2/4, 3/4, dan 4/4 semuanya adalah contoh birama sederhana.
• Birama majemuk: Dalam birama majemuk, setiap ketukan terbagi secara alami menjadi tiga bagian yang sama, menciptakan rasa berayun berbasis ternari. Pikirkan menghitung «SATU-dan-a, DUA-dan-a.» Tanda seperti 6/8, 9/8, dan 12/8 adalah birama majemuk kita yang paling umum.

Jadi, bagaimana Anda mengenali metrum dalam musik yang Anda dengar? Kuncinya adalah mendengar melampaui ritme permukaan yang kompleks dan menemukan pulsa mendasar — ketukan yang akan Anda ketuk dengan kaki. Setelah menemukannya, dengarkan lebih saksama bagaimana ketukan itu terbagi. Apakah terasa seperti mars («SATU-dan, DUA-dan»)? Kemungkinan Anda mendengar birama sederhana. Apakah punya kualitas yang lebih mengalir dan bisa ditarikan («SATU-dan-a, DUA-dan-a»)? Hampir pasti Anda berada dalam birama majemuk. Dengan sedikit latihan, Anda akan mulai merasakan pola ritmis ini bukan sebagai sekadar konsep teoretis, tetapi sebagai detak jantung sejati musik itu sendiri.

2.9 Anakrusis: batu loncatan ritmis

Mari kini jelajahi pengecualian yang memesona terhadap aturan metrum, sebuah akal ritmis yang memberi musik rasa antisipasi dan dorongan maju: anakrusis, lebih dikenal sebagai not pembuka atau upbeat.

Kita telah menetapkan aturan mendasar: setiap birama sebuah karya harus berisi persis jumlah ketukan yang ditentukan tanda birama. Namun, musik sering tidak mulai tepat pada ketukan pertama. Sama seperti seorang orator mungkin memulai kalimat dengan kata persiapan, seorang komposer bisa memulai melodi dengan satu atau lebih not yang mengarah ke ketukan kuat pertama. Not persiapan ini membentuk apa yang disebut birama anakrusis.

Birama anakrusis, menurut definisi, adalah birama pertama yang tidak lengkap. Ia hanya berisi not yang mendahului birama lengkap pertama karya. Ini menciptakan rasa propulsi yang menakjubkan, seolah musik mengambil ancang-ancang sebelum mendarat di «ketukan satu».

Untuk menjaga keseimbangan metrik keseluruhan komposisi, ada konvensi yang elegan: birama terakhir karya dipendekkan persis sepanjang durasi birama anakrusis. Dengan begini, birama pertama yang tidak lengkap dan birama terakhir yang tidak lengkap bergabung membentuk setara ritmis satu birama penuh, memberi karya rasa penutup yang memuaskan. Misalnya, dalam sebuah karya 4/4 yang mulai dengan anakrusis not seperempat tunggal, birama terakhir hanya akan berisi tiga ketukan.

Konsep ini tidak terbatas pada awal sebuah karya. Frasa musik mana pun bisa mulai dengan not anakrusis — not yang terjadi sebelum ketukan kuat pertama frasa itu. Mereka berfungsi sebagai batu loncatan ritmis, melontarkan pendengar dan pemain ke jantung ide melodi. Merekalah «dan» sebelum «SATU», embusan napas sebelum pernyataan, dan alat vital dalam palet ekspresif komposer.

2.10 Memperpanjang ritme: titik, ikat, dan pembagian pinjaman

Sistem ritmis kita, dibangun di atas prinsip elegan membagi durasi menjadi setengah, sungguh ampuh. Tetapi apa yang terjadi ketika kita ingin menciptakan durasi yang berada di antara nilai-nilai baku ini, atau yang perlu melintasi batas birama? Untuk itu, musik menggunakan tiga akal cerdik: titik, ikat, dan pembagian pinjaman.

Yang pertama dan paling umum dari alat-alat ini adalah titik. Diletakkan tepat setelah kepala not, sebuah titik menambah durasi not itu sebesar setengah nilai aslinya. Anggaplah titik sebagai instruksi «tambahkan 50 %». Sebuah not setengah bertitik, misalnya, tidak ditahan selama dua ketukan, melainkan tiga — dua ketukan asli plus satu tambahan (setengah dari dua). Demikian pula, sebuah not seperempat bertitik ditahan selama durasi satu not seperempat plus satu not seperdelapan, menciptakan durasi satu setengah ketukan.

Berikutnya kita punya ikat (tie), garis lengkung yang menyatukan dua not dengan nada yang persis sama. Fungsinya adalah menyatukannya menjadi satu bunyi tak terputus yang durasinya adalah total gabungannya. Ikat bukan sekadar kemudahan; ia adalah satu-satunya metode agar satu not bisa ditahan melintasi garis birama, batas mendasar birama itu. Sangat penting untuk tidak mengacaukan ikat dengan slur, yang mirip dengannya tetapi menghubungkan not dengan nada berbeda untuk menandakan bahwa keduanya harus dimainkan legato.

Terakhir, kita tiba di alat yang paling berani secara ritmis: pembagian pinjaman. Ia terjadi ketika kita sesaat keluar dari subdivisi alami metrum. Contoh paling terkenal adalah triol, di mana kita menjejalkan tiga not yang sama ke dalam waktu yang biasanya dicadangkan untuk dua. Ditandai dengan angka kecil «3» yang ditulis di atas not, triol untuk sementara meminjamkan rasa «ternari» birama majemuk kepada birama sederhana.

Konsep rasa berbasis triol yang sama inilah jantung dan jiwa ritme swing, batu penjuru jazz dan blues. Dalam konteks «swing», pasangan not seperdelapan yang tertulis di halaman tidak dimainkan secara seragam. Sebaliknya, keduanya diinterpretasikan dengan rasa panjang-pendek berbasis triol, seolah not pertama adalah triol not seperempat dan yang kedua triol not seperdelapan. Interpretasi ritmis yang halus ini, sering hanya tersirat dalam gaya musik, memberi ketukan ayunan dan kehidupan khasnya.

2.11 Seni melanggar aturan: sinkopasi

Kita telah menguasai aturan ritme. Mari kini pelajari seni melanggarnya. Ini membawa kita ke salah satu elemen paling menggairahkan dan vital dalam seluruh musik: sinkopasi.

Bayangkan sebuah pulsa yang teratur dan dapat diprediksi — SATU-dua-TIGA-empat yang membentuk fondasi sebagian besar musik Barat. Itulah ekspektasi ritmis kita. Sinkopasi adalah seni menggoda yang menantang ekspektasi itu. Ia adalah ritme apa pun yang secara strategis menempatkan penekanan pada ketukan lemah atau, yang lebih menggetarkan lagi, pada subdivisi antar ketukan — momen yang kita sebut «ketukan lemah» atau off-beat.

Anggaplah metrum sebagai kisi yang kokoh dan dapat diprediksi. Sinkopasi adalah tindakan mewarnai dengan cekatan di luar garis. Ia menciptakan tegangan ritmis yang menggairahkan dengan mendorong dan menarik melawan pulsa yang mendasari. Seorang komposer bisa mencapai efek ini dengan banyak cara: menempatkan not panjang atau tinggi pada ketukan lemah, menggunakan aksen tertulis, atau memulai pergantian akor di tempat yang tak terduga.

Meski pulsa yang teratur terasa menenangkan, prediktabilitas yang konstan bisa menjadi monoton. Sinkopasi adalah penawarnya. Ia menyuntikkan kejutan, energi, dan rasa propulsi ke dalam musik. Teknik ini bukan penemuan modern; ia ditemukan dalam karya-karya Bach. Namun, ia adalah urat nadi mutlak banyak genre musik modern.

Karakter riang dan menular ragtime, misalnya, lahir dari sinkopasi konstan dalam melodi tangan kanan yang menari di atas ritme teratur dan berbaris tangan kiri. Seluruh rasa «swing» jazz adalah bentuk sinkopasi yang canggih. Dan «backbeat» yang kuat yang mendorong tak terhitung lagu rock dan pop — tepukan tegas pada ketukan dua dan empat — mungkin adalah sinkopasi paling terkenal dari semuanya.

Untuk mendengar sinkopasi, temukan dahulu pulsa teratur musik — ketukan yang akan Anda ketuk dengan kaki. Lalu, dengarkan semua peristiwa musik penting yang terjadi di luar ketukan itu. Pergeseran ritmis itu, pemberontakan menggoda melawan ketukan itulah, adalah bunyi sinkopasi yang menggairahkan.

2.12 Tempo dan navigasi: kecepatan dan peta

Setelah menguasai notasi ritmis tentang apa yang dimainkan dan berapa lama, kita kini harus menangani pertanyaan krusial tentang seberapa cepat. Inilah ranah tempo. Komposer mengomunikasikan kecepatan yang diinginkan sebuah karya melalui dua metode utama: satu berketepatan ilmiah, yang lain berupa deskripsi artistik. Keduanya biasanya ditemukan di atas paranada, tepat di awal musik dan di titik mana pun ketika tempo baru diperlukan.

Presisi metronom

Cara paling absolut dan tak ambigu untuk menunjukkan tempo adalah tanda metronomik. Notasi ini menetapkan jumlah persis ketukan yang harus terjadi per menit (BPM). Misalnya, tanda berupa not seperempat diikuti «= 120» memerintahkan pemain menyetel metronomnya ke 120 klik per menit, dengan setiap klik merepresentasikan durasi satu not seperempat. Ini menyediakan kecepatan yang konkret dan objektif. Namun satu peringatan: meski banyak metronom fisik mencetak kata tempo tradisional seperti Allegro atau Andante di dialnya, itu hanyalah saran. Otoritas sejati terletak pada tanda BPM spesifik komposer, bukan pada label generik sebuah alat.

Seni istilah tempo

Lebih sering Anda akan menjumpai kata atau ungkapan deskriptif yang menyampaikan karakter dan rasa tempo. Mereka subjektif dan menuntut interpretasi musik. Secara tradisional, istilah ini ditulis dalam bahasa Italia. Seorang pemain harus mempertimbangkan bukan hanya istilahnya sendiri, tetapi juga gaya musik dan kompleksitasnya untuk sampai pada kecepatan yang tepat.

Berikut daftar tanda tempo Italia yang paling umum, diurutkan dari yang paling lambat ke paling cepat:

• Grave: Sangat lambat dan khidmat.
• Largo: Lambat dan luas.
• Lento / Adagio: Lambat.
• Larghetto: Sedikit lebih cepat dari Largo.
• Andante: Secara harfiah «dalam langkah berjalan»; tempo moderat lambat.
• Moderato: Kecepatan moderat, sedang.
• Allegretto: Sedikit lebih lambat dari Allegro; cukup cepat.
• Allegro: Cepat dan cerah.
• Vivace: Hidup dan energik.
• Presto: Sangat cepat.
• Prestissimo: Secepat mungkin.

Istilah ini sering diperhalus dengan pemodifikasi:

• molto: sangat (mis. molto allegro – sangat cepat)
• (un) poco: sedikit (mis. un poco rit. – melambat sedikit)
• più: lebih (mis. più mosso – lebih bergerak/lebih cepat)
• meno: kurang (mis. meno mosso – kurang bergerak/lebih lambat)

Pasang surut: perubahan tempo bertahap

Musik jarang kaku secara metronomik. Ia bernapas, melaju, dan mengendur. Komposer menunjukkan perubahan bertahap ini dengan istilah spesifik:

• accelerando (accel.): Mempercepat secara bertahap.
• ritardando (rit.) / rallentando (rall.): Melambat secara bertahap.
• ritenuto (riten.): Langsung lebih lambat; ditahan.
• rubato: Secara harfiah «dicuri». Instruksi untuk fleksibel dengan waktu; pemain bisa sedikit mempercepat dan melambat untuk memperkuat frasa musik, sambil mempertahankan tempo keseluruhan.
• Tempo I atau Tempo Primo: Instruksi untuk kembali ke tempo awal setelah sebuah perubahan.

Peta musik: menavigasi pengulangan

Pengulangan mendasar bagi struktur musik. Untuk menghindari menulis bagian panjang berkali-kali, komposer menggunakan seperangkat simbol yang elegan dan efisien — sebuah «peta» untuk memandu pemain melintasi musik.

Garis pengulangan: Tanda paling umum adalah garis birama ganda dengan dua titik. Bagian musik yang berada di antara tanda «awal pengulangan» (titik di kanan garis) dan tanda «akhir pengulangan» (titik di kiri) harus dimainkan dua kali. Jika tidak ada tanda «awal pengulangan», Anda harus kembali ke awal karya.

Kotak pertama dan kedua: Sering, sebuah bagian yang diulang identik sampai akhir. Dalam hal itu, komposer menggunakan kurung bernomor yang disebut kotak. Pertama kali Anda memainkan musik di bawah «kotak ke-1». Lalu, saat mengulang, Anda melewati kotak pertama dan langsung melompat ke musik di bawah «kotak ke-2».

Penjelajahan besar: menavigasi bagian yang panjang

Untuk menavigasi seluruh bagian sebuah komposisi digunakan seperangkat perintah Italia:

• Da Capo (D.C.): «Dari awal.» Kembali ke permulaan karya.
• Dal Segno (D.S.): «Dari tanda.» Kembali ke simbol yang tampak seperti «S» bergaya dengan garis dan titik (segno).
• Fine: Kata «Fine» menandai akhir karya. Instruksi seperti D.C. al Fine berarti «kembali ke awal dan mainkan sampai kata Fine».
• Coda: Coda adalah bagian penutup khusus karya, ditandai dengan simbolnya sendiri (sering lingkaran dengan salib). Instruksi seperti D.S. al Coda berarti «kembali ke segno, mainkan sampai melihat tanda "To Coda" atau simbol coda, lalu langsung lompat ke bagian Coda terpisah untuk mengakhiri karya».

Tanda navigasi ini mungkin tampak kompleks pada awalnya, tetapi dengan sedikit studi, singkatan musik ini menjadi pemandu yang jelas dan logis untuk menghidupkan struktur komposer.